Entrevista a Sergio Dawi, Ex Saxofonista de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota (02 de Junio de 2015)

"Los Redondos fue un trabajo hecho a corazón y con mucha conciencia"

Las calles de Almagro guardan en su interior, a uno de los hombres que le dio vientos, vida y color a una de las bandas más importantes del Rock Nacional. La sala de Sergio Dawi y la presencia del perro fiel, compañero de toda la entrevista, le daban un marco especial a esa tarde de un viernes de mayo.

-¿Cómo nació la idea de hacer algo juntos?
 -Con Semilla (Buccarelli) hace muchos años que estamos juntos dentro de un mundo de cosas. En lo estrictamente musical, nuestra complicidad nació en Los Redondos, pero dentro de la banda siempre había un espacio para hacer lo que la mente de cada uno necesitaba. Así fue que en paralelo, surgió la idea de cruzarnos en distintos proyectos dónde él también demostrase su faceta de artista plástico y dibujante. No por nada cuando tenía la agrupación DosSaxos2 (junto a Damian Nisenson), donde hacíamos música escénica, Semilla participó haciendo parte de las escenografías, y dio sus primeros pasos haciendo esta técnica que hoy tenemos, donde el dibuja lo que siente en su tableta digital mientras yo voy tocando. Lo que hace se proyecta, y se le muestra a la gente su arte en tiempo real.

-Si bien hablas de una conexión desde la época de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota, ¿creés que hubo algo más que los motivo a crear el proyecto SemiDawi?
 -Por su supuesto. Hubo otros procesos de experimentación que derivaron en este trabajo juntos: desde las presentaciones en la fábrica recuperada IMPA, hasta las primeras exposiciones de sus trabajos, en donde yo me presentaba para acompañar las muestras. Pero hubo una, hace unos cuatro años en el Centro Cultural Islas Malvinas, dónde me llamó para hacer lo que hoy hacemos a dúo, y nos dimos cuenta que había muchas cosas para seguir realizando, siempre haciendo escala en este lenguaje artístico que compartíamos. Ahí es el nacimiento de SemiDawi. Después de esa función, nos propusimos darle un buen formato a la idea, y con las distintas metas que teníamos,  realizar cosas diferentes. En esas charlas salió la idea de los “Cuadros Sonoros”, en vez de canciones, son cuadros en donde o el oficia de musa inspiradora mía, es decir, que dibuja y yo voy musicalizando sus pinturas, o en viceversa, él va imaginando y poniéndole color a lo que voy tocando.

-Y ese ida y vuelta artístico, ¿cómo se prepara?
 -Hay improvisación en los cuadros sonoros. Tienen la misma duración que un tema, por eso hacemos 14 o 15 por presentación.  De todas maneras, para nosotros, cada cuadro es un mundo: sabemos donde empieza y donde termina, siempre teniendo en claro que en lo digital está lo característico del espectáculo. Por ejemplo, Semilla en un trazo puede hacer un abanico en una pantalla de8 metros, con colores virtuales, sumándose el saxo, que también sale por procesadores modernos, tales como rumbleras, multiefectos y samplers, generando una influencia directa sobre su arte. Hicimos un buen formato en algo que no es muy común, y pudimos comunicar algo que necesitábamos mostrar. Eso se debe a años de compartir la misma imaginaria. Después, lo que pasa con el público es algo bastante hipnótico: muchos se quedan enganchados en el trabajo de Semilla, tratando de ver cómo va armando los dibujos y/o los armados del escenario, intentando meterse dentro de su mente, tratando de idealizar cómo se le ocurren tantas situaciones artísticas. Otros, les sorprende que en mi performance yo no tenga partitura, y que toda salga cuando yo decida ponerme a jugar y me involucre en las canciones: tiene muy buena repercusión.
Volviendo a la parte artística, otro plato fuerte que utilizamos para reinventarnos, es la de llevar un invitado a las fechas. No es raro que en nuestros shows aparezcan Daniel Melingo, Miss Bolivia o Andrea Prodan. Ellos le dan otro carácter a la noche. Por otro lado, no sólo armamos pantallas de fondos y laterales, sino que también, yo utilizo un vestuario blanco, y entonces todo es pantalla, todo se transforma en un gran cubo blanco. Eso invita a la gente a disfrutar esa parte onírica del show, que proponemos siendo muy bueno soñadores.

-Ustedes estuvieron en un fenómeno gigante como fueron Los Redondos y supieron recorrer el país,  ¿cuál es la reacción de la gente viéndolos en este formato como dúo?
 -Hay mucho cariño y una buena predisposición a esta novedad. Desde Jujuy hasta Neuquén, la gente nos demuestra todo su respeto. Cuando empezamos a girar, no pasamos un fin de semana que no estemos en una provincia distinta. Y como dije antes, la clave está en la improvisación, y cada noche es diferente. Por ejemplo, el año pasado nos presentábamos junto a bandas tributo. Si bien lo nuestro era mucho más tranqui e íbamos al principio, ya la gente empezaba a ponerse en cuero y a descontrolarse, porque claramente había algo que les pegaba en su interior. Realmente llegamos a una complicidad diferente con la gente. No es la misma reacción que cuando uno escucha una canción o letra que conoce, esto se logra desde… ¡Lo tienen que ver muchachos! (Risas).

-Antes hablaste de invitados, ¿hay material grabado de esas presentaciones?
-Sí. Casualmente tenemos pensado con Semilla, editar próximamente un DVD con distintas fechas, y que una sección se llame “Invitados”. Es muy diferente lo que hicimos con (Daniel) Melingo y sus clarinetes, a lo que cantamos y rapeamos con Miss Bolivia, o lo que hicimos con unos jujeños, dónde ellos hacían que venían del carnaval con sus típicas vestimentas y se conectaba con los nuestro. Además, nos gusta invitar a artistas relacionados con lo autóctono de cada lugar donde nos presentamos. Es por eso que cuando estamos en el interior involucramos lo nuestro con música tradicional, como por ejemplo, el folklore. Serán 1 o 2 temas por show, pero eso le da espacio a artistas nuevos a mostrarse y desenvolverse, y a nosotros, a conocer lo que están haciendo. Pero no sólo de ellos hay grabaciones: como nuestro trabajo es, como digo yo, muy “circense”, y podemos llevar el escenario, el proyector y toda la maquinaria en dos valijas, podemos hacer distintas performances, y en lugares pocos frecuentes. Por decir alguno, se me viene un recuerdo inolvidable de tocar en el Purmamarca, con los cerros de colores atrás: una escenografía totalmente distinta. Ahora, nos vamos a tocar a Mendoza, y queremos hacer algo así, pero en la nieve. Esto es un espacio de mucha libertad, porque no somos ni Rock, ni Pop, ni puf, ni paf: simplemente somos nosotros. Así como nos sorprende que esta locura sea bien recibida, también nos da más permiso para seguir probando cosas nuevas.

-Valorás mucho la improvisación en el espectáculo, pero ¿cómo es la organización, tanto arriba como abajo del escenario, con alguien como Semilla que vive en Córdoba, a 800 kilómetros?
 -Toda nace de la cantidad de años que trabajamos juntos. Esa confianza que tenemos en el otro, es la que nos lleva a realizar cosas de riesgo sin miedo sobre las tablas, porque sabés que hay alguien atrás que va a poner una red, pase lo que pase. Eso se convierte en un condimento indispensable. Cuando lo sentimos necesario, nos juntamos, pero nunca a ensayar, sino a acumular ideas. Preferimos que todo salga depende como fue el día de cada uno. Quizás nos toca cerrar un show, donde uno se peleó caminando por la City, u otro tuvo una alegría que no esperaba. Es decir que la música sea influenciada por todas las variantes de la vida cotidiana.

-Tus performances en SemiDawi, ¿las ves influenciadas por tu labor en DosSaxos2? ¿Notás alguna diferencia?
 -Con ese proyecto paralelo a Los Redondos arrancamos a mediados de los ’80, y encontré una manera de expresarme, y además de tomar esa sumatoria grupal que te nutre cuando hacés algo de a dos. En ese caso, nosotros hacíamos puestas casi teatrales, y hasta era difícil encasillarnos en algún lado.  En esa época, decíamos que era “música escenica”. Este proyecto también tiene parte de esa definición, y por eso le cabe tan bien un teatro. Aunque también podría quedar bien en un pabellón de una cárcel, en un hospital o en una escuela.

-Cumpliendo la función de espectador, ¿hay algo que te llame la atención?
 -No sé si hay algo que me llame la atención, pero si tengo mucha esperanza depositada en personas, que están encontrando sus propios canales para expresarse: ya sea dentro de la música, con el teatro, con la poesía. Quizás acá en Buenos Aires se note más, pero eso culturalmente hablando, es un caldo de cultivo bárbaro. Cuando una persona encuentra su canal, contagia buenas ondas a los demás, y ayuda a su propio bienestar.

-Cuando te planteás situaciones así, ¿pensás lo que como banda lograron generar?
-Obviamente. Es algo que se percibe en el día a día, porque tuvo un gran impacto y sigue muy presente. Lo noto cuando salgo y la gente me saluda por la calle. Lo de Los Redondos fue un trabajo hecho a corazón y con mucha consciencia; hicimos discos muy diferentes entre sí, encontramos distintas maneras de hacer las cosas. Miro para atrás, y veo que hice muchas cosas, no sólo porque han pasado muchos años, sino porque he bailado en varias situaciones. Uno es la sumatoria de todos esos bailes. Esos mismos en dónde me la jugué, y siempre tuve la camiseta puesta.

-Haciendo referencia a ese monstruo que marcó el Rock Nacional, cuando hace un año y medio El Indio (Solari) les propuso a Walter Sidotti (Baterísta de la banda), a Semilla y a vos (casi la última formación del grupo en su totalidad, exceptuando Skay Beillinson) a realizar la canción “La Pajarita Pechiblanca”, de su último trabajo Pajaritos, Bravos Muchachitos (2013), ¿cuál fue la sensación que tuviste?
 -La canción, prácticamente, la grabamos donde estamos hablando ahora (Risas). Cuando la terminamos, se la mandamos al Indio, que con su capacidad para las letras, le encontró la vuelta enseguida a la melodía, con las estrofas justas que esa canción necesitaba. No fue una grabación estrictamente grupal, o quizás sí, pero de otra manera.

-Resuminos todos los proyectos en los que estás metido.
 -Yo soy curioso, y me gusta incursionar en otros fenómenos artísticos, no sólo en la música. Tengo otros espacios dónde puedo expresarme de diferentes maneras, dónde puedo experimentar, probar, hasta hacer funciones de teatro ciego. Tal es el caso de mi banda, Dawi y los Estrellados, con el que estamos grabando nuestro tercer disco, o mi propuesta “Video Sax Machine”, algo parecido a lo que hacemos en SemiDawi, pero yo voy tocando sobre películas, y estoy metido como un personaje más. Son espacios que despiertan la imaginación. De todas maneras, simplemente la del artista es sólo una faceta más: a vecés me toca ser plomero, otras el que hace las compras (Risas).

-Su próxima presentación es en el Teatro Siranush (Armenia 1353, Palermo), ¿por qué eligen este lugar?
 -El año pasado ya hicimos varias presentaciones ahí. Nos gusta mucho porque es un espacio que está muy bien ambientado: si bien el escenario es de teatro, encontraron la forma de hacer sillones en vez de butacas. Es algo distinto. Además, de la comodidad, tiene un sonido que nos encanta. Es de esos lugares como el C.A.F.F (Club Atlético Fernández Fierro), donde tocamos seguido, y fieles a nuestra dinámica, hacemos que cada noche suene con el entusiasmo de la primera vez.

-¿Qué invitado los va a acompañar en esta fecha?
 -Nos va a acompañar el guitarrista Fernando Kabusacki (quién tocó con Francisco Bochatón, entre otros), y Pablo Davidovich, un percusionista que nos viene acompañando hace unos años. En esta fecha vamos a extraer bastante material para el DVD próximo que vamos a sacar. Aprovechamos mucho lo de los invitados, porque se da como que, esas canciones que hacemos, son más inéditas todavía.

-Entre tantos proyectos, ¿cómo sigue el año para Sergio Dawi?
 -De la misma manera que Semilla ahora está pintando en el Chaco haciendo murales y de alguna forma plasmar lo suyo en formas totalmente distintas a las convencionales, yo sigo fluyendo en todos mis proyectos, a los que les dedico su tiempo, y siempre sigo tocando. Estamos con los Estrellados dandole los últimos detalles al nuevo álbum, y con ganas de hacer varias fechas de teatro ciego nuevamente, repasando toda nuestra discografía; sigo con Video Sax Machine, en donde llevo mi valijita, voy intercalando nuevos cortometrajes, e introduciéndome en esos mundos; tocando con bandas amigas, que me dejan ser en sus shows; y por supuesto, con Semilla, tenemos una agenda nutrida para este año, muchas ganas de terminar el DVD, y por esa razón, los esperamos a todos este viernes en el Siranush. ¡La vida continúa!

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Homenaje a Adrián José Nievas, Toto (24 de Mayo de 2015)

Héroe del Rock

Adrián José Nievas, o simplemente Toto, nos dejó este fin de semana pasado en su La Plata natal. Así, no sólo se fue un referente indiscutible de la escena alternativa local y un artista magnífico, sino que nace la leyenda de uno de lo mejores músicos de los últimos 20 años. 

 

Un domingo. Era tan sólo eso. Lo único que no coincidía con ese día hecho para decansar era ese rumor horrible que giraba por las redes sociales, que después fue confirmado por sus ex compañeros de banda, y oscureció cualquier panorama: Toto se había ido.

 

La historia oficial dice que fue el cantante de Increíbles Ciudadanos Vivientes en los 90‘s, que editó un disco cargado de su esencia, y que después de ese proyecto,  a principios del nuevo milenio se fusionó con el siempre Brujo Fabio Rey y con el inoxidable Rudie Martinez para darle vida a Adicta. Esta última, una banda que dejó su sello para siempre en todos los reductos rockeros donde supieron estar: Por estética, por sonido y por actitud, sus shows se hicieron incomparables.
Tras estar en el circuito durante más de una década, la banda tuvo un repentino fin (como la canción que alguna vez supo escribir), que los que tuvimos la suerte de ver en vivo, sentimos que merecieron más que ese rótulo "de culto" que tenían. Después de varios encontronazos grupales, la disolución final fue finalmente en 2012, en la previa de la preparación de un disco nuevo que nunca salió, y en el marco de dos shows más en unas de sus giras por el Gran Buenos Aires (el primero, en Ramos Mejía; el otro en Avellaneda). Al último show, Toto ni siquiera fue. Entendió que no debía ir.

 

Su carrera solista (ya tenía un disco oficial y unos demos editados en paralelo al grupo) post Adicta renació dos años después, cuando volvió a dar sus primeros pasos con vídeos y audios por las redes sociales, con covers y canciones nuevas. Todo eso derivó con dos presentaciones en diciembre del 2014: Uno en la fiesta Eyeliner, la otra en un Niceto genial donde todo se resumió a alegría y reencuentro. Hace poco más de un mes, editó un trabajo independiente titulado "Flores, Brillos y Arcoíris", donde en sus letras dejaba en claro un pesar enorme personal.

Después existe otra historia: la del artista distinto. Ese mismo que le escribía a los sentimientos y a los desamores,  con una naturalidad digna de admirar. Sus historias hicieron eco en miles de fieles, que refugiados en sus canciones, no se sintieron tan diferentes al resto de la gente.  En su envase corporal diminuto se escondían la ternura y la sencillez, algo que sólo los grandes pueden tener. Y lo de grande, no va por ser masivo o llenar estadios, claro que no: va por la calidad de artista.  Por esa razón, Adrián Nievas se ganó la eternidad. Sus discos, sus escritos y su personalidad marcaron una época. Hizo del Rock/Pop un género respetable al compás de buenas canciones, siendo la contra cara de todos esos temas que llaman Pop, son berretas y suenan en las radios.

El último adiós fue en una casa velatoria situada en 57 entre 5 y 6, en el corazón de la ciudad de las diagonales. Un aire de rabiosa melancolía rondaba el lugar, y por más que la angustia intentaba apoderarse de todos, ahí mismo, si bien se terminaba una época, nacía una leyenda para siempre.

Y como no puede ser de otra manera, de esta leyenda florecerán anécdotas, momentos, influencias en amoríos (adolescentes y de los que son para toda la vida), shows históricos, tristezas, nostalgias y alegrías.

Toto va a vivir en cada canción donde dejó su voz y su poesía como marcas imborrables para la cultura local. Ya es todo un héroe (incomprendido) del Rock. 

Aunque en una nota así quede mal hablar en primera persona, yo me quedo con un recuerdo imborrable: Mi vieja llevándome por primera vez a verlos, quedándose en un bar esperando que saliera dado que era muy chico, y mi felicidad absoluta post show porque Toto, ese frontman que rompía todos los esquemas, me había dado la mano desde el escenario en el frenesí del recital.

Gracias!
Hasta siempre, Toto!
(Yo sé que un día volverás..)

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Ella Es Tan Cargosa - La Trastienda Club - 15 de Mayo de 2015

Cultura de Barrio

Ella Es Tan Cargosa desplegó sus melodías por San Telmo, en una Trastienda llena que disfrutó de canciones cargadas de experiencia y bohemia.

Poco antes de las 21:30, el bar de San Telmo se iba cubriendo de un público bien variado y, sobre todo, de diversas edades. Desde grupos de amigas y parejitas que pisaban los 30, hasta rockers de mechas largas y amigos que llevaban a sus hermanos más chicos para que disfruten a la banda surgida en el Oeste del Gran Buenos Aires.
 
Cuando todavía todos se estaban acomodando, y algunos seguían haciendo la cola para comprar una cerveza helada (la noche húmeda porteña se prestaba), sin apagar las luces y de forma sorpresiva, Ella Es Tan Cargosa salió con todo al ritmo de “La banda de sonido de tu vida”, mientras la gente corría para tirar globos de forma festiva. Siguieron con “Una noche de aquellas” (con una guitarra al frente envidiable) y “Mis últimos cartuchos”, acompañadas por unas palmas constantes del público.

 “Cuando hicimos esta canción, entendí que estábamos haciendo cosas en serio”, confesó Rodrigo Manigot, frontman de la Cargosa bajo su campera de cuero negra, antes de entonar la preciosa “Enero”, de su disco debut homónimo, del 2007. Los sentimientos y las historias de amor se notan a flor de piel en ese Rock Canción que proponen los oriundos de Castelar. Por eso, temas como “Pueblo fantasma”, de último disco Polos (2014) y “Autorretrato”, de su antecesor, 11 (2011), son cantadas con total euforia por sus fanaticos (sobre todo, por ellas), alentando y sintiendo cada estrofa que canta Mariano Manigot, guitarra y segunda voz de la banda.

Si alguien tenía dudas que la pasión no tiene nada que ver con la ternura, sólo bastaba ver a la pequeña nena que en alzas de algún familiar, cantaba, bailaba y movía los brazos al compás de “Llueve”, la historia de amor vespertina más explosiva, acompañada por el fenómeno climático justo. Esa pasión tuvo su climax cuando la gente terminó la canción cantando a capella. Sin dudas, este es el himno cargoso.

“Un feriado que me inventé en la agenda de mi piel”, bajaba del escenario mientras “Sol”, de su segundo disco Botella al Mar (2009), decía presente en La Trastienda. La lista seguía, y canciones como “El Escorpión”, “Carmen” y “A redondel”, hacían un repaso por toda su discografía.
Mientras hacían notar su felicidad por todo lo que lograron como banda, no tardaron en contar que se viene un festejo grande por los 15 años de vida, así que por esa razón siguieron su fiesta haciendo un cover de los cuatros fabulosos de Liverpool, “A trasluz” y “Ni siquiera entre tus brazos”, este último, primer hit del grupo que no paraba de sonar hace casi una década atrás.

“Así: ¡Sin Bis y de una! ¡Hay que respetar a la banda que viene después!”, les dijo a sus seguidores Rodrigo Manigot para despedirse con el súper cantado “Pretensiones”, “Chica de los ojos amarillos” y “Botella al Mar”, éste último con un solo impecable, y junto a unos teclados y una batería que supieron acompañar, le dieron un marco sonoro sensacional al final de la noche.

Ella Es Tan Cargosa tiene algo que resalta constantemente: bohemia. A la banda le sobra calle, experiencia y está llena de historias de vida. Todo eso, lo fusiona con canciones y melodías pegadizas, que lo llevan a más de uno a sentirse identificado. Un show súper recomendable para aquellos amantes de la (verdadera) cultura de barrio. 


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Entrevista a Javier Fernández y Leo Fornillo, de El Jaguar (15 de Mayo de 2015)

"Es realmente patético que los políticos tengan que ver situaciones extremas para actuar de verdad."

Una historia, un disco y un personaje de ficción se fusionan en el último álbum de El Jaguar, "El Preludio de la Eternidad". Antes de su presentación oficial en el Samsung Studio el viernes 15 de mayo, Javier Fernández (Voz y Guitarra) y Leo Fornillo (Teclados y Coros) cuentan cómo fue la preparación del mismo.

- ¿Cómo nace "El Preludio de la Eternidad"?

Javier Fernández (JF): -Cuando empezamos con la idea de sacar disco nuevo, yo me pongo sólo y hago como 30 o 40 canciones. Cuando las llevé para mejorarlas con los chicos, nos dimos cuenta que todos los temas tenían un hilo conductor que los unía. Inmediatamente, decidimos que teníamos que escribir una historia. Después, contactamos a la historiadora y escritora Laura Acosta, y junto a los bocetos que yo tenía escritos, desarrollamos todo. Ella fue quien nos tiró la idea de que cada canción, fuese un capítulo. Con el correr de los días, un ilustrador llegó para inventar los personajes, el entorno: ¡Nuestro protagonista principal ya tenía cara! Lo que empezó como una locura, terminó con un broche de oro cuando nuestra amiga Jimena Díaz Ferreira (Diseñadora gráfica que ha hecho tapas desde Manu Chao hasta Los Piojos) encerró todo el marco que queríamos darle, y diseñó nuestro disco.

Leo Fornillo (LF): -Después de que sacamos el disco, hicimos un vídeo por capítulo (esto se puede ver por YouTube): es decir, fusionamos las ilustraciones, la canción y además, la historia relatada por Dani Jiménez (Periodista de Vorterix) .

JF: -Las sorpresas que propusimos para “El Preludio de la Eternidad” van a sumarse a otras que tenemos preparadas para la fecha del 15 de mayo.

-Hablaron de un personaje principal que abarca el desarrollo de la historia, ¿a quién se asemeja en la vida real?

JF: -Él es el conjunto de expresiones y comportamientos que realizan los seres humanos, en distintas situaciones de la vida. Desde la temprana adolescencia hasta la ansiedad de rebelarte contra el mundo; del amor y el deseo, a la traición y la ambición. Neksa (nombre del personaje) desde su historia y su vida ficticia, nos muestra como seres humanos.

LF: -Algunos momentos que él vive, cualquiera de nosotros lo puede identificar como propios. Cuando idealizamos todo esto, queríamos que Neksa sea tanto un personaje individual como el reflejo de la sociedad. Esto queda en la interpretación personal de las canciones.

JF: -Por ejemplo, hay una canción en el disco que se llama “Genocida”, en dónde el personaje se siente defraudado porque todos sus amigos y compañeros del grupo revolucionario en el cuál participaba, lo traicionan. Por el único fin que lo hicieron fue para saber cuál de ellos tomaría el poder. En cada momento de la vida, cuando un grupo en forma colectiva se propone una causa común, el instinto del ser humano hace que una o más personas quieran ser líder y distinguirse, sólo por pensar que pueden hacer mejor las cosas. Siempre hay alguien que marca un desequilibrio. El tema explica que cualquiera puede ser un genocida, pero no por el hecho de haber nacido así, sino que por la simple razón de haberse corrompido. El fin es que con cada uno de los capítulos, uno pueda filosofar y debatir por lo que cada uno entiende de las canciones.

-Una historia en la realidad fue Cromañon, y ustedes en su disco anterior, “A voluntad”, le dedicaron la canción “Aquel diciembre”, siendo una banda que anda en el circuito desde 1998, ¿Cómo fue el después? ¿Cómo ven la escena ahora?

LF: -Como primer recuerdo , tengo en mente que en un principio quisieron solucionar todo lo que estaba mal de un solo saque, y era imposible para todos. Nadie creía que algo así podía pasar, hasta que pasó. En ese momento todos nos pusimos a pensar en lugares que no estaban en regla, a ver cosas que antes no veías: realmente había muchas cosas que se estaban haciendo mal. Somos una banda que nos pegó de cerca porque muchos de nuestros seguidores, estaban esa noche. No lamentamos a nadie, por suerte, pero las consecuencias mentales y sociales, para toda esa gente, son casi incurables. La canción refleja todo eso, y es un homenaje para todos aquellos que estuvieron esa noche. De todas maneras, pienso que hoy los lugares están en mejores condiciones para nosotros, y sobre todo, para la gente.  

JF: -Lo que sí tengo muy presente es el beneficio que sacaron ciertos empresarios con la tragedia. Con sus lugares habilitados (aunque no todos estaban en reglas), cobraban precios carísimos para tocar, y siendo under, te destruía. En relación a la fatídica noche, siempre pienso y repienso lo triste que es la mentalidad humana: tienen que pasar cosas malas para que resalten las cosas que están mal en las cabezas de aquellos en los que depositamos nuestra confianza social. Es realmente patético que los políticos tengan que ver situaciones extremas para actuar de verdad. De los hechos no tendríamos que aprender: ellos directamente no deberían existir.

-Volviendo al último álbum, ¿cómo preparan la noche del 15 de mayo en el Samsung Studio?

LF: -Estamos trabajando mucho para lograr un show acorde al arduo trabajo que hicimos para este disco. Tenemos la suerte de poder presentarnos en un lugar como el Samsung que tiene un sonido genial, y es muy lindo para darle la bienvenida oficial a nuestro nuevo trabajo. Vamos a tocarlo por primera vez completo, junto a varias sorpresas que tenemos preparadas para le gente.

JF: -Con muchas ganas y ensayos a full. Queremos que la gente se vaya feliz, con el show en vivo que tenemos para presentarles. “El preludio de la eternidad” es un trabajo conceptual muy lindo, y queremos darle un broche de oro. Una especie de show teatral, con material audiovisual, y con sorpresas que van directamente de la mano de Neksa y toda su historia.

-Y ya que Neksa va a estar toda la noche dando vueltas por el lugar, ¿cuál creen que debe ser su canción favorita?

LF: -Sin duda, el capítulo final que es doble: “Luciérnaga” y “Desde el infinito”. El desenlace de la historia, las hace sumamente especial.

JF: -Coincido con Leo. “Luciérnaga” es una canción que hice estando en la costa. Volvía de la playa y los acordes no paraban de girar en mi cabeza. Llegue a donde estaba parando, y la grabé con la computadora. Tanta mala suerte que al día siguiente, se me quema el disco rígido. La volví a grabar enseguida, y aunque no sé si será como la original,  me gustó como quedo (Risas).

LF: -Si no era así, ¡quedó buenísima! (Más risas).

JF: -“Desde el infinito” es la moraleja de toda la historia. La relación entre la historia de Neksa, y lo que pasa en todas las canciones. Le van a gustar todas las canciones, sobre todo por como van cambiando los estilos y los estados de ánimo.

LF: -Lo lindo es que tanto él como la gente van a sentir ese estado esperanzador y de alegría, que les va a dar energías para seguir luchando en la vida.

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Entrevista a Diego Sátiro Lloret y Max Black, de Sátiro (07 de Mayo de 2015)

"Hicimos un disco fácil de escuchar"

Con el pretexto de presentar "Esta Noche Hay Caos", los Sátiro no se callaron nada y hablaron sobre la elaboración de su primera placa, el underground de hoy en día y su amor incondicional a la zona oeste del Gran Buenos Aires.

-Después de varios EP´s, finalmente sale su primer disco "Esta Noche Hay Caos", ¿cómo fue la preparación?
Diego Sátiro Lloret (DSL): -Fue distinto desde el comienzo, porque es nuestro primer trabajo producido por otra persona. El álbum tiene 11 canciones, y de esta manera, creemos que el mensaje que queremos dar es mucho más claro. Cuando haces un EP queda todo tan reducido, que a veces la gente no llega a comprenderte. Ahora con este disco, todo es muy claro: te invitamos al caos (Risas).

-Gran parte del álbum fue grabado en el estudio El Pie (estudio de grabación de Alejandro Lerner), ¿cómo llegaron a grabar ahí?
DSL: -Nosotros llegamos por recomendación del productor del disco, Juan Bruno (ex La Zurda), ya que según sus consejos, por la acustización que tiene, las bases del disco iban a quedar mucho mejor. Imaginate que para nosotros, grabar en un lugar así, con un sonido espectacular, fue como un sueño.
Max Black (MB): -El cambio fue tremendo. De grabar en lugares más caseros (y hasta con una Notebook), esto era otro mundo.
DSL: -El sonido que el estudio tiene, influencia directamente al disco para llevarte a hacer ese click , en el que la persona que lo escucha entiende perfectamente que es un álbum completo y no un EP.

-¿Cómo fue qué eligieron a Juan Bruno como productor del álbum?
-DSL: -Nos conocimos en uno de los tantos shows que dimos en el Oeste del Gran Buenos Aires (GBA). Un día vino a vernos a uno de nuestros recitales, y quedó encantado con la banda. De ahí pegamos una muy buena relación, y cuando se enteró que ibamos a grabar nuestro primer disco, se ofreció a ser el productor. No sólo es un tipo que la tiene súper clara, sino que se generó automaticamente una química tan importante entre ambas partes, que nos pareció vital para la elaboración del disco.

-Más allá del productor y de la forma más profesional de grabarlo, ¿qué es lo que hay distinto en este nuevo trabajo?
DSL: -Nuestro objetivo en este caso era el de hacer un disco que sea fácil de escuchar: que tengo sonido de Rock, pero nunca dejando de lado la canción. Osea, que sea claro y que no llegue a ser pesado para
nadie, pasando por lo mejor del Brit Pop y del Rock Nacional clásico, manteniendo el sonido de ahora.

-"Corso Zombie", es el corte de difusión del álbum, y tiene la particularidad de que canta Marilina Bertoldi (Ex Connor Questa, y hermana de Lula, líder de Eruca Sativa), ¿de quién fue la idea de hacerla participar?
DSL: -Tuvimos la suerte de compartir varias fechas con Connor Questa, pero recuerdo la primera que fue en La Plata, nos dejó a los cuatro anodadados la tremenda voz que tenía. Es una chica que tiene unos colores de voz increíbles y puede viajar con ellos al estilo que quiera llegar. Esa razón nos llevó a elegirla, ya que queríamos que la primera persona que invitemos a cantar algún tema nuestro, sea grosa de verdad, y Marilina es fascinante. Tal es así, que nunca le dijimos: "Che, cantá así, o hace esto o lo otro". La idea es que ella hiciera lo que tenga ganas, y salió una canción hermosa y súper natural.

-A nivel convocatoria y boca en boca, siendo Sátiro una banda del barrio porteño de San Cristóbal, tienen muy buena repercusión en la zona oeste del GBA, ¿a qué creen que se debe?
DSL: -Debe ser que en el oeste está el agite (Risas). Realmente, como banda sentimos que esa zona en particular, nos adoptó. Lo que quizás marque un poco la diferencia, es que todavía la gente sale a ver grupos nuevos. ¡Ojo! No digo que en Capital, eso no pase, pero la mayoría se juega por la banda que suena en el momento o lo más masivo. En el Oeste, la gente sale a escuchar Rock, después se fija si lo que suena le gusta o no. Eso como músico, te hace sentir siempre bienvenido.
MB: -"Che, ¿qué hacés hoy? Yo me voy a ver una banda", allá es común que digan eso, acá hoy en día es díficil de escucharlo.

-¿Y por qué creen que cambió esa postura Underground en la Ciudad?
DSL: -Creo que casualmente por ser Capital, la oferta de bandas es tan grande, que la gente va directamente al show recomendado por el diario o por lo que escuchó más en la radio. No digo que sean todos, pero la mayoría va a lo "seguro", y no tiene ganas de abrirle espacio a lo nuevo. En el Oeste, existe todavía esa crudeza de meterse en un antro y flasharla.
MB: -Coincido mucho con lo que dice Diego. Allá hay mini templos como Santana en Ramos Mejía o Chill Out en Ituzaingó, entre otros, en dónde el Rock hace de local siempre, seas Under o no. No por nada en el oeste estuvo "El Mocambo", cuna y cátedral de tantos grupos masivos de hoy en día. A lo que iba, es que en estos lugares uno sabe que va a ver bandas de calidad. El gusto de cada uno varía, obviamente, pero lass personas que va a estos lugares, sabe que van a ver grupos que suenan bien.
DSL: -Además, estos lugares son más chicos, y el contacto con la gente es muy humano. No hay nada mejor para el músico que vivir esa sensación de conectarte con el que te está mirando.

-Este viernes 8 de mayo, hacen la presentación oficial de "Esta Noche Hay Caos", nada más y nada menos que en el Samsung Studio, ¿cómo preparan la fecha?
MB: -Lo que inicialmente existe es el desafío a nivel musical: lo de pararnos como banda y ver como finalmente quedan esas canciones en vivo, interpretando lo que nosotros grabamos.
DSL: -Uno siempre en los discos trata de ser más prolijo pero lo que realmente le vas a mostrar al que va a verte es tu ferocidad. Quizás una canción en el disco es muy tranquila, y después en el vivo lo escucha con fuerza y le dan ganas de romper una silla contra la pared (Risas). Pero hablando en serio, como siempre dijimos, la estrella de la noche no somos nosotros, sino que es el disco. Queremos mostrarle a la gente el álbum en vivo y mostrarle a la gente todo lo que el disco significa para nosotros. Es un lugar cargado de magia, con un sonido impecable, y dónde toco desde Gustavo Cerati hasta Illya Kuryaki & The Valderramas y Catupecu Machu. Eso sí: tengan en cuenta que tocamos a las 21, así que no sólo pueden venir a vernos, sino que hasta les queda tiempo para salir a la noche (Más risas).

-¿Y el año como sigue para Sátiro?
DSL: -Vamos a tocar mucho. La idea es girar por el interior, y tomar toda esa energía positiva que te da la gente. Rosario y Córdoba son dos destinos a los que vamos a llegar. Tenemos ganar de mostrar y vivir con la gente "Esta Noche Hay Caos", que es nuestra mejor carta de presentación.

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Banda de la Muerte - The Roxy Live - 15 de Abril de 2015

¡Más fuerte!

Banda de la Muerte se presentó en el Roxy Live con el pretexto de mostrar su último álbum, 8894, pero se despachó con una lista para romper y sacudir cabezas.

Como el ciclo "Club de la Muerte" volvía al ruedo, muchos rockers de pelos y barbas largas, y chicas totalmente vestidas de negro, decidieron decir presente. Una mesa llena de merchandising captaba la atención por la diversidad en diseños de remeras o por la genialidad de apostar al formato físico ya sea en cd's como en vinilos.

 
Cuando poco antes de las 22 el lugar empezó a llenarse, las bandas teloneras dieron sus primeros pasos sobre las tablas. Para romper el hielo, subió Gripe, y un rato después, los chicos de Sutrah. Con buen sonido y potencia, dejaron todo servido para el plato fuerte de la noche.
Cuando Banda de la Muerte subió al escenario, la distorsión se apoderó del lugar en los acordes de "Dos huesos", canción de su homonimo álbum debut de 2009. Un sonido oscuro y cruel de bajo fue lo que predominó en "Hombre muerto caminando", para alegría de los que se acercaron al recinto de Niceto Vega.

"Los temas viejos están buenísimos... ¡pero queremos tocar todo lo nuevo!", gritó el frontman entre risas, antes de que la banda hiciera "Ejército de uno", el tema que abre 8894, su más reciente disco producido por Jack Endino, el inoxidable de Seattle, que tan bien supo entender el sonido alternativo de principios de los '90.

Pulso de una mente maldita (2012), no sólo es un un gran título para un álbum, sino que también es el que más identificación tiene con la gente que sigue a la banda. Por esa razón, el doblete "El sol salió del sur" y "Espiritu en paz" fueron tan bien recibidos.

"Soy tan distinto a vos... tanto miedo tenés...". La frase de "Tan distinto a vos" salía con furia de la boca del cantante, poco antes de la versión, made in Siglo XXI, de "La sarna del viento", canción de Contraluz, banda local de la década del '70. Para esta última, el bajista se lució pegandole a sus cuerdas con estilo.

 
Siguiendo en pleno caos y locura total, la banda hizo dos grandes versiones de "Parte de mi historia" y "No te dejes mentir". Asegurando que el lugar era especial para la banda, y elogiando a la gente del Roxy Live, la voz del grupo se preparaba para entonar "Cuando no hay más que perder" y "El miedo". "Ahora nos vamos con un poco de punk", anunció antes de la estupenda versión de "Cerdos", una canción rabiosa que cierra sú última locura sonora. Así, sin bis y con furia, se fueron del escenario despidiendose de su gente.

Los miércoles siempre están en el medio. Son molestos y apáticos porque todavía falta una eternidad para el fin de semana. Pero si estás en busca de un quiebre de todo eso, en el club capitaneado por Banda de la Muerte vas a encontrar lo que necesitás.

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Entrevista a Binaural en su Sala de Ensayo (01 de Abril de 2015)

"La película del Rockstar nos la comíamos cuando teníamos 16, 17 años" 

 De Parque Chacabuco para todo el mundo, los Binaural hablaron de la salida de su segundo álbum Dicen los Cerdos, que presentan este próximo viernes 17 de abril en Makena. Al ritmo de su sonido fuerte y su fanatismo por Spinetta, el cuarteto habla de su postura independiente y su forma de trabajo.

-¿Cómo fue la preparación de "Dicen los Cerdos"?Federico Beber (FB): - El disco comenzó acá en la sala. Las canciones en crudo salieron rápido. Lo que más tiempo nos llevó fue el arduo trabajo de estudio. A este le metimos mucho mano, y se notan todos los aportes que fue sumando cada uno de nosotros.

- ¿Qué diferencias notaron al hacer este disco a comparación de su primer álbum?
FB: -Lo que se nota es la madurez. Pero lo principal fue que volvimos a las raices del grupo, algo que quizás en el disco debut no lo pudimos obtener del todo. Si bien con la producción de Pichu (Serniotti, ex Cabezones y Jauría) tuvimos una profesionalidad bárbara, quedó en el camino mucho de la esencia inicial, y no llegamos al sonido de la identidad de la banda. Somos una banda que hace canciones con guitarras al frente y una base potente, y eso en el primer álbum está sólo en algunas canciones. En "Dicen los cerdos", fuimos más seguros de nosotros mismos, diciéndonos: "Esto va a ser así, vamos a seguir sonando como sonamos, le guste a quien le guste". Volvimos para atrás para encontrar nuestro verdadero audio.

-¿Por qué se sintieron así en su disco debut? ¿La influencia de Pichu les jugó en contra?
Julián Beber (JB): -En ese momento estás abierto a aprender todo lo que va apareciendo. Para el segundo, llegamos más preparados. Binaural trabajó intensamente en la producción, en un principio con ayuda de Pichu, y después con "Pape" Fiovaratti, quien terminó siendo el productor del disco.
FB: -El primer disco es inocencia pura. Nunca nadie había grabado nada y estabamos en un mundo nuevo. Todo lo contrario, con Pichu aprendimos un monton, y ese aprendizaje nos mostró dónde pisar firme y qué hacer a la hora de hacer el proximo disco. "Dicen los cerdos" es la consecuencia de nuestro primer disco, porque ya sabíamos como se jugaba el juego, y en el estudio fuimos por todo.

-"Dicen los cerdos" es la canción que abre el álbum, y además, es la que da el nombre, ¿por qué la eligieron?
JB: -El disco tiene una temática en contra de esa gente que te dice lo que tenés que hacer y decir, de esos que quieren bajar tus metas y tus sueños. La vida ya es bastante dura como para que te diga alguien lo que hay que hacer. Por eso, en las canciones incitamos a no bajar los brazos, pelearla siempre y ser lo que uno quiere ser.
Asimismo, el tema hace referencia a una etapa de la banda en la que intentabamos sacar el disco, y en el medio existían un monton de complicaciones. A pesar de eso, la seguimos peleando, y finalmente salió.
Ricardo Gómez (RG): -En un momento se había tornado como el álbum imposible. Nos pasó de todo: solucionábamos un problema, y aparecía otro inconveniente. Por eso, para nosotros es un disco muy especial, ya que superamos una tormenta interminable.
FB: -"Limitate a pensar, dicen los cerdos", es una frase de la canción que representa con agresividad, lo que queremos plasmar.

-Esos cerdos de los que hablan, siendo una banda independiente, ¿son para ustedes los que lucran con la música y dejan sin chances a muchos grupos?
JB: -La verdad es que hay un negocio, productores que manejan fechas, etc. Existiendo ese gran monopolio dentro del ambiente, se hace díficil entrar siendo independiente.
FB: -La mayoría de las personas que deberían escuchar bandas nuevas están cansados. Tal vez sea la cantidad de grupos que hay en la escena. Pero les cuesta mucho parar la oreja, y respetar esas bandas. Para ellos el parámetro solo pasa por meter gente.
Lo que tiene de bueno de ser independiente es lo de mantener siempre los pies en la tierra. Nosotros ya estamos grandes y la película del Rockstar nos la comíamos cuando teníamos 16, 17 años. No somos punks, pero la filosofía bastante allegada: "Lo tenés que hacer vos mismo". Nadie va a venir a golpearte la puerta. Nosotros venismos acá a la sala y trabajamos:  componemos, debatimos, vamos a repartir volantes, invertimos nuestra plata, tiempo. No existe otra forma.

 
-"Paraíso" es el corte de difusión del disco, ¿creen qué es la que mejor hace referencia del sonido Binaural?
RG: -No, es el corte porque nos gusta la canción en sí. Pero el sonido de la banda se define bien con el orden y la selección de temas de nuestro disco. Desde el tema 1 al cover del Flaco (Luis Alberto Spinetta).

-¿Por qué eligieron "Ana no duerme" para cerrar el disco?
FB: -Es una historia muy particular. Fue la primer canción que hicimos con la formación inicial del grupo cuando empezamos a tocar. Era el único tema que nos sabíamos todos en esa sala de ensayo. Lo tocamos durante una hora. Tanto pegó el tema que lo tocamos en nuestro primer show, con nuestro estilo y mucha fuerza, pero casi como suena en el disco. Lo loco de la canción fue que iba a estar en nuestro álbum debut, y por falta de presupuesto, el productor nos sugirió que no. Dos años después, el primer día que nos reunimos para hablar y discutir de qué se iba a tratar nuestro segundo disco, luego de escuchar nuestra versión de "Ana..", nos empiezan a sonar a todos los celulares de que el Flaco había fallecido. Fue un flash. Para mi Spinetta, sacando a mis familiares, es una de las personas que más aprecié en este mundo. Me enseñó muchisimo no sólo de la musica, sino de la vida. Lo único que quedó claro ese día, fue que la canción no podía quedar afuera.

-La presentación oficial del disco es en Makena, este viernes 17 de abril, ¿Cómo preparan la fecha?
Ezequiel Petronzi (EP): -Estamos ensayando a full,  muy conformes de como estamos sonando, y tenemos esas ganas que salga un show ideal por el buen momento de la banda. El entusiasmo se apodera de nosotros.
JB: -La buena aceptación del álbum por parte de la gente nos motiva muchisimo, y queremos que sea una noche inolvidable.
FB: -Es así, como dice Julíán. El disco por suerte se está vendiendo bien y queremos mostrarlo en vivo lo más pronto posible. Además, el lugar es especial para nosotros. Pensá que debutamos ahí y sentimos que es como nuestra segunda casa. Por la infinidad de veces que tocamos en Makena, sentimos que la gente del lugar es también parte de este disco, por eso es el lugar elegido para ir no sólo a tocar, sino a festejar.

-¿Y cómo sigue al año para Binaural?
FB: -La idea es salir a tocar por el interior y el conurbano. Queremos salir de la Capital, y mostrarle a todo el país lo que estamos haciendo. Además, a mediados de año vamos a sacar el nuevo corte de difusión "Dicen los cerdos". Pero de todas maneras, nosotros vamos a ir donde el disco y el destino nos depare, porque cada cosa que planeas puede cambiar su rumbo de repente. Simplemente nos vamos a dejar llevar.

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Francisco Bochatón - Kirie Bar - 18 de Diciembre de 2014

Acción Poética

Poesía y buenas canciones. Eso les regaló Francisco Bochatón a sus fanáticos mientras despedía el año en el Kirie Bar.

De afuera, el Kirie Bar parece uno de esos nuevos bares que adornan las calles del clásico San Telmo, con sillas y mesas tipicas de un after. Pero en las profundidades del lugar, más específicamente en el sótano, el rock esperaba salir por los parlantes. Una barra muy completa y un sonido espectacular, hacían del recinto un lugar agradable. Tal es así, que los músicos de la banda de Bochatón (entre ellos, el baterista Brujo Quique Ilid,) deambulaban por el lugar disfrutando la estadía.

Después de una banda telonera, poco antes de las 22.30 el Bocha alternativo salió con “Invisible”, y siguió, de corrido y sin parar, con “Ausente” y “Maratón de Torturas”. Tres canciones cargadas de energía. Los temas del eterno Gorrión son siempre magníficas, y con letras cargadas de emoción. No fue raro escuchar cómo todo el público + 25 que se acercó al lugar coreaba canciones como”Pinamar”, “22.33”y “Mundo de Acción”.

El show siguió con el repaso por toda su discografía solista, con canciones como “El Gorila”, de su álbum Hasta decir Palabra (2002), y “Gaviota”, de La tranquilidad después de la paliza (2005).

“Y te encuentro en mis mañanas, y hacemos eso que nos da calma”, cantaba Bochatón en “Te Amo”, en una versión tan estupenda que dejaba en claro que no hay nadie mejor que él para explicar el arte más intimo y perfecto del ser humano. De su disco Tic Tac (2007), las elegidas fueron “No volverás” y “Tu voz se va”, ésta enganchada con el estribillo de “Inundados”, de Os Paralamas Do Sucesso.

 
Después de “Puedes Venir” y “Luces”, se empezó a sentir el final en Bolivar 813. Sólo quedaba tiempo para cantar “Feliz Cumpleaños”, y para saltar y bailar con “La Vuelta Entera”, que titula su último álbum, editado en 2012. Para las 23.30, ya estaban todos liberados después del baño de poesía, a cargo del frontman oriundo de La Plata.

Francisco Bochatón se despidió de los escenarios porteños hasta el año próximo, demostrando una vez más, que su discografía solista es una de esas maravillas que tiene nuestro rock para escuchar incansablemente.

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Babasónicos - Mandarine Tent - 13 de Diciembre de 2014

Costanera Sónica

Con el pretexto de cerrar el año, Babasónicos realizó su primer Mandarine Tent con una lista cargada de hits, esos que tan bien les salen a los chicos de Lanús.

La previa del show tuvo su toque moderno desde que abrieron las puertas: casi como un boliche, la barra instalada se complementaba muy bien con la música que sonaba desde la carpa, que hacía bailar a los presentes (eso sí: nadie podía imaginar que al salir,  se encontrarían con un frío cruel que hizo pasar un mal momento a todo aquel que no tenía un abrigo en su haber).

Poco antes de las 21.30 horas,  Uma-T salió a escena a tocar una intro con sus teclados para que luego, el resto de la banda suba al escenario para interpretar “Uso” y “Run Run”, de su último álbum Romantisísmico ,editado el año pasado.

A diferencia de otros shows del grupo, la escenografía no fue importante para la fecha en la Costanera Norte,  así que la clave estuvo en cada una de las canciones. Las primeras perlitas de la noche fueron “4 AM”, de su álbum Miami (1999), y el hit inoxidable “Risa”,  de Infame (2003), a esta altura dos discos clásicos de la discografía babasónica.

Una versión espectacular de “Humo” fue la contratara de algunos acoples que tuvo el sonido en varios momentos de la noche, quizás porque el lugar no está del todo preparado para un show de Rock, y sí para fiestas electrónicas. De todas maneras, la banda supo remontar esas adversidades sonoras, y se despacharon con “Viva Satana” y el doblete fusionado de “Desfachatados”  y  “Paisano”.  Para seguir sometiendo a la gente a ese estado salvaje, les siguieron “Sin mi Diablo” y “El Baile de Odín”.

Después de que sonó “Flora y Fauno”, el campo se convirtió en una gran pista de baile cuando sonó desde el escenario “Y qué?” con las (ya clásicas) estrofas de “Egocripta”, y con la fusión de “Muñeco de Haití” con “Sheeba Baby”, esta última de su segunda placa Trance Zomba, y fue la gran sorpresa de la noche.

Los estribillos de Adrián Dárgelos son una sana costumbre para su público, por esa razón no hubo nadie que no gritara que algunas noches era fácil, al compás de “Carismático” y “Yegua”. Para el final de la primera parte del show, sonaron “El ídolo”, y  el primer corte de difusión de su último álbum “La Lanza”, simulando una despedida.

Luego de un par de cantitos de parte de los fans, volvieron para hacer tres canciones en el bis: “Casi”,“ El Colmo” y una enérgetica versión de “Fiesta Popular”.  Sin hablar demasiado, se despidieron del escenario deseando un buen fin de año a todos aquellos que se habían acercado al lugar.

Babasónicos cerró el año en uno de esos nuevos lugares donde el Rock busca refugio, luego de que los vecinos porteños no tengan muchas ganas de que los recitales masivos sean en áreas urbanas. Una experiencia nueva e interesante de una banda que sigue marcando tendencia, a pesar de los años y del cambio generacional del público.

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Noticias Breves: La Vuelta de Ciudadano Toto a los Escenarios (06 de Diciembre de 2014)

¡Ciudadano Toto está de vuelta!

Después de casi tres años sin subirse a los escenarios, el ex cantante de Adicta vuelve con todo este sábado 6 de diciembre, en un show en la Fiesta Eyeliner. 

Todo vuelve. Toto también. La cara más representativa de la escena pop del underground regresa con un puñado de canciones nuevas (y seguramente con los clásicos de Adicta, banda que se separó en 2012 y lo tuvo como frontman más de una década).
El show será parte de la Fiesta Eyeliner, que se realiza en Sarmiento al 1272, de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
¡Es menester... que sea Pop!

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Archivo: Omar Chabán, Héroe y Verdugo (17 de Noviembre de 2014)

Omar Chabán, héroe y verdugo

La muerte de Omar Chabán sucumbió a gran parte del Rock Nacional. Excéntrico, auténtico y loco, fue por casi tres décadas la mano derecha del under, aunque la tragedia de Cromañon lo catapultó a un olvido jamás pensado.

Omar Emir Chabán fue uno de los personajes más emblemáticos de la escena de rock de las últimas décadas del siglo XX y primeros años del 2000. Dueño de Café Einstein en los tempranos 80s, supo ganarse su fama de empresario de la música cuando empezaron a tocar bandas en su boliche Cemento, lugar mítico de la escena y cuna de bandas que con los años, hicieron historia.

Su querido Cemento, ubicado en Estados Unidos 1234, había comenzado como el sueño de un artista en donde haría las locuras que tuviera ganas. El boliche ganó su nombre eterno porque en la fiesta apertura aún estaba fresco el cemento del piso y terminó siendo sede de grandes noches de rock y delirio.

Sus baños horribles, sus festivales eternos, su sofocante calor, las locuras propias de Chabán hacían del lugar algo diferente a los demás. Sin contar, que no se les cobraba a las bandas por tocar, y esto beneficiaba aquellos grupos que recién comenzaban. Algo sumamente rico en cultura, que lamentablemente ya casi no se hace.

Su actitud era tan atrevida que cuando Cemento era clausurado, el mismo Chabán arrancaba las fajas de clausura.

El 2004 comenzaba como un año de cambios, pero terminó siendo el peor de su vida. Según sus pensamientos, Cemento ya le quedaba chico a un montón de bandas, y por esa misma razón, decidió armar República Cromañón. Ubicado en pleno barrio de Balvanera, a metros de la estación de Once, la ex bailanta 'El Reventón' garantizaba más capacidad y muchísima más facilidades de acceso por la cantidad de medios de transporte que circulan la zona.

La triste celebridad masiva de Chabán llegó cuando la noche fatídica del 30 de diciembre de 2004, en pleno show de la banda Callejeros, el complejo de Once se incendió por completo con la utilización de pirotecnia por parte del público, y se llevó la vida de 194 personas. La peor tragedia no natural de la historia Argentina.

Pocas horas después del incendio, fue detenido y ya nada volvió a ser igual.

Sus días plagados de arte y de auténtica vanguardia, fueron la contracara de todo lo que el destino le depararía en su última década de vida: juicios, distintas prisiones, condenas y sobre todo, un intolerable castigo social.

Luego de su última sentencia, ya estando en prisión, le fue diagnosticado de un cáncer terminal. Atendido en el Hospital Santojanni, su salud se fue deteriorando de a poco hasta que el 17 de noviembre de 2014 su cuerpo dijo basta. Un triste final para alguien tan reconocido en el ambiente.

Omar Chabán es un nombre que generará distintas sensaciones a través del tiempo. Para muchos, será el gran padrino del Rock, por fomentar e impulsar las bandas en sus comienzos. Para otros, será el gerente verdugo del boliche donde ocurrió la noche más oscura de la escena. Lo único indiscutible, es que su nombre marcó una época y el crecimiento de muchas bandas. La escena que vino después de Cromañon, es sólo para los mercenarios de siempre.

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Entrevista a Feller Fellini y Hernán Sarubbi, de Manijas (10 de Noviembre de 2014)

El Uniclub en una noche de Manijas

Con muchas expectativas y alegría, Manijas prepara la presentación de su álbum “El Portal”, este sábado 15 de noviembre en el Uniclub. Por esa razón, el cantante Feller Fellini y el baterista Hernán Sarubbi se largaron a hablar de cómo fue el armado del disco, qué se viene en el futuro y de las sorpresas que tienen para su gran noche súper Manija.

 
Un lunes por la tarde normal en la city porteña. Tránsito, ruido y muchas caras cansadas y largas de tantos trabajos no gratos. Pero ahí mismo, en el barrio de San Telmo, más precisamente en Humberto Primo al 500, la sala de ensayo “El Conventillo” era un mundo paralelo. Tranquilidad, risas y mates que giraban por todos lados, daban a entender que, en ese lugar, la buena onda es diaria. Por la misma razón de bienestar que tiene uno al entrar ahí, los Manijas lo eligieron como el lugar perfecto para hablar.

-Ya faltan pocos días para su presentación oficial, ¿cómo fue la preparación de su segundo disco “El Portal”?Hernán Sarubbi (HS): -El álbum lo empezamos a grabar a finales de noviembre, primeros días de diciembre del año pasado. Fueron tres días de grabar todo el tiempo. Aunque la preproducción arrancó ocho meses antes, y el disco terminado lo tuvimos dos meses después.
Feller Fellini (FF): -Esta segunda experiencia en el estudio tuvo de buena, que además de ser  linda, se notó que el trabajo fue mucho más intenso que en el primer disco, donde nos metimos a grabar tres meses después de habernos conocido.

-¿Qué es lo que puntualmente encuentran de distinto en comparación de su álbum debut?
FF: -Acá se nota mucho el laburo como banda armada y lo importante de la coproducción. Esto hace que se note la fidelidad en el sonido de una banda ya consolidada.
HS: -Son dos discos muy diferentes pero que mantienen la esencia de la banda. El primero fue abrupto, ya sea desde la composición de las letras (date una idea de que Feller terminó varias letras viajando en el colectivo) hasta el sonido, porque no teníamos definido ni siquiera cómo sonábamos. El segundo fue mucho más pensado, por eso la preproducción fue tan rica. Apenas lo escuchás, te das cuenta que tiene otro aire. Fue decisiva la influencia de Mario Breuer (productor del disco). De todas maneras ambos discos muestran todo lo que somos: Manijas.

-Y si tuvieran que describirlo en pocas palabras, ¿qué es lo que representa “El Portal? 
FF: -Personalmente es crecimiento, aprendizaje y melancolía.      
HS: -Es un disco súper agradable que en su contenido tiene la ambigüedad de ser una patada al hígado, y a la vez poseer la belleza de pasar caminando por un rosedal. Se nota muchísima madurez en la banda.

-Son una banda que intenta a hacer cosas distintas en sus recitales, algo que hoy en día ya casi no se ve, ¿qué es lo que quieren decir?
FF: -Cuando arrancamos a hacer los ciclos con Manijas arrancamos con la idea de mechar nuestras canciones con algo que sorprendiera y llamara la atención de la gente. Por eso, hicimos los (ciclos) “Manija” y “Homenaje”, con músicos invitados y versiones propias de canciones que habían influenciado nuestra vida. Por otro lado, también hicimos uno que se llamó “A la carta”, en donde el público se sentaba en unas mesas, una pseudo mesera pasaba con una lista de temas, y la misma gente elegía las canciones que el grupo interpretaría en vivo esa noche. Hoy en día, la modernidad hace que el ser humano pierda el interés y la concentración rápidamente, por eso decidimos plantear situaciones distintas y novedosas para mostrar lo que hacemos.
HS: -En síntesis, nosotros queremos que la banda siga sorprendiendo, porque esa es la clave para entendernos.

-Para resaltar esto que hablamos, también trabajan mucho la parte audiovisual... 
FF: -Ahí entra en acción Martín Malamud (MM), que para nosotros es un integrante más de la banda. Cuando tocamos, trabaja con cada uno de los temas y expone en imágenes lo que siente cuando escucha la canción. Eso lo hace dibujando en vivo, y quizás la banda no se da cuenta porque está sobre el escenario, pero hace cosas extraordinarias.
HS: -Él (Martín Malamud) se encargó de todo lo artistico. Nuestros artes de tapa, las proyecciones en vivo. Es súper importante su trabajo porque lo audiovisual ayuda a entender lo que el grupo quiere decir.

Hablando de la realización de artes de tapa, la tapa de “El Portal” , ¿la realizó MM o fue una idea en conjunto?  
FF: -La pensamos todos. Sabíamos que tenía que ser una vagina, y MM la idealizó junto a los personajes que expresan las canciones del álbum. Lo loco y llamativo es que nos llamaba y nos decía: “Che, ahí les mando un mail con distintas opciones”, y había como 9 o 10 (diseños de) vaginas distintas y estaban todas buenas. ¡No sabías cual elegir!
HS: -Es complicado hacerle entender a una persona lo que vos pensás, pero el tiene la virtud de saber interpretarnos… y además, sabe de vaginas (Risas).

-Es el Rocambole de Manijas... 
HS: -¡Claramente! (Más Risas)

-Este sábado se presentan en el Uniclub, ¿cómo van preparando esta fecha grande? 
FF: -Estamos dando todo de nosotros en cada ensayo, y esperando con muchas ganas que llegue el 15, para mostrarle a la gente, nuestra gran noche llena de invitados, novedades y sorpresas.
HS: -Si bien esto es a pulmón, estamos preparando una gran sorpresa (risas cómplices con el frontman de la banda). Es un momento de mucha alegría para la banda, y queremos que la gente sepa que vamos a hacer un show mucho más largo de lo normal, ya que vamos a tocar todo. Y estén atentos Manijas que la palabra clave de la noche va a ser Sudor: porque nadie va a parar de saltar y bailar en ningún momento.

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Los Brujos - Teatro Vorterix - 1 de Noviembre de 2014

Sonido Salvaje Ya!

Con entradas agotadas, Los Brujos oficializaron sus shows de regreso con un doblete espectacular e inolvidable en el Teatro Vorterix.

Aquel primer show de Los Brujos Modelo 2014, realizado en el Centro Cultural Recoleta en el marco del Festival Ciudad Emergente, sirvió como vermouth. La fecha en el Mandarine Park, terminó siendo un doblete en el viejo Teatro de Colegiales, y si nos dejamos llevar por las condiciones climáticas que azotaron Buenos Aires y sus alrededores, hay que agradecer ese cambio de último momento.

El sábado 1 de noviembre fue la primera noche de brujos, y para las 21 el lugar reventaba de gente. Un rato después, la banda salió con un instrumental tremendo, para luego hacer “Gagarin”, una canción nueva que nombra al primer hombre puesto en el espacio por la ya extinta Unión Soviética. 
Mientras los aplausos hacían arder las manos, una muchacha asiática dijo su frase clave para que la locura estallara en “Psicosis Total”. Ahí ya nada tuvo sentido: pogo y mosh garantizado. La clásica “Canción del Cronopio”, que abre su primer álbum Fin de Semana Salvaje (1991), y una versión alucinante de “Vudú”, siguieron en una lista que supo intercalar sus clásicos de los 90 con las canciones que saldrán en un próximo álbum.

La genialidad de la noche estaba en los detalles: cuando interpretaron la siempre tan loca “Gente Pelea”, todos se pusieron máscaras (hasta los plomos las llevaban), los cantantes Elle Illuminatti (Ricky Rúa) y ZPQ (Alejandro Alaci) le cantaban a una cámara colocada en uno de los micrófonos principales que los mostraba en la pantalla de fondo, y el resto de la banda prendieron linternas en sus frentes. Aunque si realmente se tenían dudas que son capaces de cualquier cosa, imposible no pensar en “Sasquatch”, y las voces de la banda chocandose sobre el escenario, bailando frenéticamente, y cantando tirados en el piso. La locura era el plato fuerte de la noche.

El doblete “Flipper” y “Piso Liso”, de su segundo álbum San Cipriano (1993), fue un momento incomparable: bastaba ver a las distintas generaciones saltar y descontrolarse en un mismo lugar. No obstante, alguien gritó en tono gracioso: “¡Despacio que estamos viejos!”, para la risa de muchos que se sintieron identificados. Los cantitos de la gente no pararon en toda la noche. Después de cada tema, se hacían sentir en señal de agradecimiento por volver. Por hacer que ese mito que habían creado, vuelva a ser realidad.

De repente, Etna Rocker (Gabriel Guerrisi) tomó el microfono para hacer una canción nueva llamada “No soy John”, en la que además de cantar le sumó un punteo bien pegadizo. Después de “Yo caí por tu amor”, los bailes robóticos de ZPQ dijeron presente mientras la banda interpretaba “Beat hit”, el tema con el personificaron la vuelta.

Las versiones de “Tónico para soñar I, II y III” elevaron las mentes de todos los presentes, que coreaban al compás de la música, y mientras cantaba la voz en clave espacial de Myte (de Myte y sus Linternas Verdes). Para seguir en ese ambiente experimental, los cantantes regresaron al escenario, mientras que el resto de la banda se retiraba, para jugar y hacer sonar a una especie de ojo que disparaba ruidos electrónicos. Sí, sonidos siderales.

Para la segunda parte del show, se vistieron todos de blanco e interpretaron “Histeria Total” y “Gabo”, canción dedicada a Gabriel Manelli, fallecido bajista fundador de Los Brujos y Babasónicos. Muchos se quejaron que en el show del Emergente, no tocaron sus hits más inolvidables. Para todos esos, Los Brujos le dijeron “Ahí los tienen”, y se despacharon con una versión super potente de la inoxidable “Kanishka”, y con otra mejor de “Aguaviva”, para delirio de la gente. Con un tema nuevo se despidieron del escenario, y todo hacía pensar que quedaría ahí.

Pero no: la banda volvió para hacer “Capicúa”, mientras en la pantalla de fondo aseguraban que tenían el control de las mentes de los presentes, y que ya nada iba a ser como antes. Para el final, Myte volvió al escenario para interpretar “Mi papi no te quiere”, para cerrar de la mejor manera la vuelta más esperada del Rock Nacional. “The aliens are back!”, gritó Elle Illuminati para asegurar que están de vuelta, y no se van más.

Locura, frenesí, pasión, energía, y cuántas otras sensaciones podrían describir esta vuelta. Los Brujos dejaron en claro que tienen material nuevo de sobra, que sus canciones siguen siendo clásicos y que su luz nos va a seguir guiando, gracias a su fuerza cosmogonal. Sí, la leyenda alternativa es realidad…¡Gracias por volver!  

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